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Saint Laurent sans Yves…

El mundo de la moda es un sector que comparte códigos muy precisos los que, hace un par de décadas, con la irrupción de los conglomerados de lujo, el branding y las actualizaciones de marcas, se han visto potenciados y reforzados, a veces, a niveles exorbitantes que logran desarrollar, incluso fanatismos, como si, en vez de moda,  se tratara de política o de fútbol. Lo que deja en evidencia que la moda, además de un movimiento estético, es un movimiento claramente social.

Muchas de las marcas de moda han desarrollado su imagen, universo y comunicación, a la par de la de su diseñador, creador o director artístico. Tal es el caso de Yves Saint Laurent, una de las marcas y personalidades que mejor representa el mito de la moda, tal como se la entiende en la actualidad. Esto se debe al rupturismo que provocó, en los 60’s, al haber proyectado en sus creaciones, su visión de las tendencias sociales imperantes, haber masculinizado el guardarropa femenino y sobre todo, por haber sido el primer couturier francés, en lanzar una línea, “Rive Gauche”, de prêt-á-porter y ser así, en pleno mayo francés, el responsable de democratizar la moda, hasta ese momento, en manos de pocos.

A pesar de que Yves Saint Laurent murió en 2008, del 2004 al 2012,  Stefano Pilati ha sido su director artístico. Desde entonces, parte de la prensa especializada y de sus seguidores, se han encargando de manifestar su permanente descontento, debido a la labor considerada conservadora, sin estridencias, de Pilati. Sin embargo, pareciera que Hedi Slimane que ha llegado, hace un año, con una visión más contemporánea y revolucionaria sobre branding y marketing de moda, lo tuviera peor. Su decisión estratégica de olvidar el Yves, ha sido uno de sus grandes dolores de cabeza. Slimane es el mismo que, sugirió olvidar al Christian, de Dior, e incluir el homme, y no le ha ido nada mal…

Slimane presentó, ayer, en París, su segunda colección para Saint Laurent. De un primer bohemian chic a su reciente grunge californiano. Una horda armada de pancartas, fuera del Grand Palais, reclamando el retorno del Yves, me ha hecho reflexionar… Como analista de tendencias comprendo la labor y las propuestas de Slimane, las que se deberían analizar desde distintas perspectivas, tales como,  el branding y la continuidad de marca, las tendencias sociales, un contexto muchos más amplio, distinto y cambiante, del que le tocó vivir a Yves, y por último, desde el valor estético y el de diseño. Así, considero que la misión de Slimane, como la de cualquier otro director artístico, en situación similar, es la de interpretar el momento actual, a partir de la esencia y los valores de marca y no la de reinterpretar, lo que ha creado en otro contexto y momento, el creador original.

Algunas de las grandes virtudes que se le adjudican a Yves Saint Laurent son, justamente, las de haber sido un gran observador, conocedor y vehiculizador de su tiempo, además de haber sido pionero en cuestión de culto a su imagen, marketing personal y marca. A pesar de esto, en su momento, haber sido un trendsetter, rupturista y revolucionario, le costó la crítica y el reproche de varios, los que necesitaron tiempo para comprender las acciones que ejecutaba un adelantado. Parece que Hegel tenía razón y que la historia, es cíclica y se repite…

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Del metrosexual al hombre de Cromañon !

Hoy en día, hablar de la barba podría parecer una trivialidad, sin embargo, si pensamos en que su primera clasificación, tal cual la conocemos, data del 3000 a. C., deja de serlo. En el antiguo Egipto, incluso reinas, por status y símbolo de poder, llevaban barbas postizas. Como analista de tendencia, como objeto de estudio, le otorgo al cuerpo una importancia relevante. Además de actuar como soporte, vehiculiza signos, discursos, modas y tendencias.El vello es tan antiguo como el hombre y, junto con la barba, a lo largo de la historia ha adquirido distintos significados y funciones y, ha encarnado distintos valores: sabiduría, status social, virilidad, excentricidad. También existieron momentos de la historia (especialmente durante las primeras décadas del siglo XX)  en que sociedades o religiones han prohibido su uso.Del Antiguo Egipto al Renacimiento, del Cristianismo al Islam, de la mujer barbuda al Depilady. De los hippies de los 60’s, al hombre urbano hypermoderno. Así, intentamos establecer, cuales son los factores sociales, que en los últimos tiempos, han propiciado el retorno y la reintroducción de las largas barbas, hasta hace poco, muy poco vistas.

Sin embargo, sostengo una teoría que pocos de mis entrevistados han sostenido. De todos mis barbudos, unos pocos, reconocen la influencia del entorno social y comprenden que se agotó el prototipo de hombre metrosexual, que respondía a otro entorno y a otras necesidades. La mayoría se inclina por valores estéticos, u otros, tales como, la comodidad y el acostumbramiento. Muchos de ellos, muy jóvenes, no son conscientes que crecieron en un contexto que despenalizó el uso de la barba (como los tattoos) y su posterior nueva aceptación. La crisis de modelo actual, que nos toca vivir, proyecta otros escenarios, por ende, otras necesidades y conlleva así, a otros paradigmas estéticos.  La necesidad de un “back to the basics”  nos hace alejar del prototipo estéticamente cuidado que rimaba en muchos casos con un modelo unisex. En estas líneas, se aproxima un peace&love urbanizado.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Street Style y el triunfo de la individualidad…

Photos by Dan Stern

Recientemente entrevisté, para THESOULREPORT, a Dan Stern, fotógrafo inglés de street style y director de su propia web: www.streetfashionmonitor.com. Finalizada la entrevista, y a partir de su slogan “candid & un-posed photos”, sentí el deseo inmediato de realizar un análisis sobre la importancia, y no sólo para el mundo de la moda, de un street style honesto y espontáneo que sirva para identificar tendencias estéticas o vestimentarias pero también, para ir más allá y llegar a conclusiones de índole sociológicas e incluso antropológicas. La manera de vestir es un discurso, habla por sí sólo, encierra códigos y significados que nos podrían permitir detectar rasgos culturales, comportamientos, hábitos e incluso establecer diálogos inter e intraculturales. Así, Dan Stern define, con una palabra, a Londres como creativa, a París como chic, a Milán como glamurosa y a Tokio como detallista.

Trás que vivimos en la bautizada era de la imagen, altamente estimulada por la velocidad informativa a la que nos impulsa la web 2.0, y somos testigos de la llamada democratización de la moda, el fenómeno del street style se consolida y cobra, cada vez, más relevancia. El boom de los blogs sobre street style explotó, hace algunos años, prácticamente cuando la prensa de moda se apoderó del  término coolhunter, que si bien están relacionados, no designan lo mismo. Así, la indumentaria es tan sólo una de las manifestaciones que un coolhunter o analista de tendencias puede interpretar para interferir análisis sobre alguna cuestión determinada.

A los diseñadores franceses, Christian Lacroix y Jean Paul Gaultier, se los identifica como a dos de los responsables del surgimiento de este fenómeno. Ambos, desde contextos muy distintos, han exhortado continuamente para que el sistema de la moda se inspire de la calle, apoyados en la idea de que la propia gente, es la que hace la moda y no la industria. También cabe mencionar el trabajo pionero de Scott Shuman que, a través de su blog, “The sartorialist”, ha sido capaz de canalizar esta necesidad y esta tendencia.

Ahora bien, si se ha aceptado la importancia del análisis del street style para la implementación de diversas estrategias del mundo empresarial, también hay que aceptar que, mayoritariamente, las personas objeto de estudio, aquellas que espontáneamente podrían generar, a partir de su estilo personal, una moda para muchos, es un porcentaje reducido de la sociedad y, generalmente, coincide con el grupo de los denominados trendsetters o generados de tendencias. Cada sector posee sus propios trendsetters, aquellos que tienen la capacidad de convertir un hábito individual, en el de la mayoría, pero que un individuo sea considerado trendsetter para el mundo de la moda, no implica que lo sea, necesariamente, por ejemplo, para el del ocio nocturno  aunque, a priori, existan muchas posibilidades para que así sea.

Así, a pesar del branding global y la homogenización de productos y, a la posible pérdida de identidad que esto conlleva, en su mayoría, son los individuos de espíritu trendsetter, altamente creativos, y generadores de sus propias modas (no sólo a nivel vestimentario) los que participan, por su personalidad abierta y singular, del proceso que marcas y empresas  realizan para analizar y tratar de adelantarse, a los cambios que podrían provocarse dentro de un sector u otro. Esto, entendiendo que el ser humano actúa, naturalmente, por imitación e identificación, de aquí, la importancia de detectar a estos trendsetters, en el marco de una dinámica honesta y espontánea, porque ellos generan su propia moda, más allá de las modas, y además de marcar el camino, a veces, nos permiten comprender correctamente a otros grupos o culturas, siempre que interpretemos sus manifestaciones sin alterar sus propios criterios.

 

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El velo de la Alta Costura, de Mahoma a Margiela…

Corán 33:(59) “…¡Oh Profeta! Di a tus esposas, a tus hijas y a las demás mujeres creyentes, que deben echarse por encima sus vestiduras externas cuando estén en público: esto ayudará a que sean reconocidas como mujeres decentes y no sean importunadas. Pero [aun así,] ¡Dios es en verdad indulgente, dispensador de gracia!…”

Para aquellos que no sabéis, la Alta Costura se presenta únicamente en París, dos veces al año, y como es habitual, en dos temporadas, otoño-invierno (en enero) y primavera-verano (en julio). En los desfiles podemos ver lo que estará en las boutiques, seis meses después. En julio, durante la última semana de la Alta Costura, un elemento, el velo, bajo diferentes interpretaciones, se manifestó recurrentemente en al menos siete colecciones. Dato nada insignificante teniendo en cuenta que, los desfiles oficiales de Alta Costura no han llegado a ser veinte.

De la versión extrema de Margiela, pasando por la metamorfosis de Valli  para concluir con la versión soft de Gaultier. Paradigmas, culturas, religiones, geopolíticas, marcos teóricos que se cruzan y se retroalimentan. La Alta Costura se inspira, se apodera de otros paradigmas y los transmuta, para emitir un mensaje renovado, adaptado y actualizado. Pero, ¿Qué deja ver el velo y sus distintas interpretaciones? La confrontación de dos maneras de entender el mundo, dos culturas, dos religiones, dos tipos de mujer, dos momentos de la historia, distintas tradiciones y creencias, vidas y mundos paralelos…

Podríamos hacer una lectura únicamente desde el valor estético del velo pero, sí entendemos que la moda es discurso, por ende semiótica, esta hipótesis no tercia. ¿Dignidad o sumisión? ¿Primitivismo o modernidad? ¿Un acto liberador o un acto de sometimiento? ¿Encubriendo la belleza física personal, destacamos la individualidad o anulamos la identidad? En todo caso, una traspolación adaptada y actualizada que podría ser peligrosa.  Diseñadores que se erigen en Alá y descontextualizan elementos para dictar normas estéticas que, en otro contexto, podrían tener lecturas e interpretaciones muy distintas.  Al igual que dentro del mundo musulmán que la vestimenta de las mujeres, implica un gesto integrador, pero fuera de él puede convertirse en un significado opuesto.

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Dime qué vomitas y te diré quién eres…

Últimamente, la expulsión violenta (provocada o espontánea) y espasmódica del contenido del estómago a través de la boca, ha sido motivo recurrente de inspiración artística y creativa. Objeto de representación y proyección de sentimientos y emociones. Dime qué vomitas y te diré quién eres, podría decir el refrán…

No sólo fluidos corporales, también joyas, insectos, flores, pintura, mariposas, diarios y noticias. Incluso España, vomita inmigrantes…Repulsión, asco o rechazo individual y/o general pero, ¿A qué?, ¿Tan evidente es el síntoma social para que artistas y creativos lo identifiquen o proyecten a través de su obra? Síntomas de una sociedad insatisfecha, infeliz, insegura, enferma o histérica, que sufre trastornos variados, que afectan tanto a lo físico como a lo psíquico y se materializan en lo artístico…

Vivimos tiempos de fuertes indigestiones. No siempre podemos metabolizar ciertos discursos ya sean públicos o privados. Como público deberíamos completar la obra artística, reflejo de nuestro tiempo, y reflexionar para ejecutar los cambios necesarios y así, nunca más, sufrir de expulsiones violentas que inspiren a ciertos artistas. Para afrontar y disfrutar de una vida mejor, es vital asumir la mayoría de edad. Ser responsable no siempre es fácil pero, puede ser muy gratificante porque ofrece muchas más posibilidades. Se aproximan tiempos de cambio…

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De Freud a Prada, fetichismo : lo simbólico, lo imaginario, lo real…

Fetichismo “devoción hacia los objetos materiales, a los que se denominan fetiches”.

Parafilia (del griego  παρά, pará: ‘al margen de’, y φιλία, filía: “amor) es un patrón de comportamiento sexual en el que la fuente predominante de placer no se encuentra en la cópula, sino en alguna otra cosa o actividad que lo acompaña.

No es ningún secreto que el Cine (casi desde sus comienzos) vive una relación abierta e íntima con la Moda. Ambos son lenguajes que se retroalimentan, se apoyan y se potencian, ambos narran historias. Sin embargo, en los últimos años, producto de un mundo digitalizado, surgió el fashion film (cortometrajes moda y muy a la moda), así, las revistas encontraron un espacio y un lenguaje propio en Internet. Desde entonces, directores de cine, marcas y diseñadores de moda se dan la mano y no paran de surgir revistas on line, webs y/o festivales especializados que fomentan y promocionan la producción de este tipo de films.

Una de las últimas genialidades es “A Therapy” dirigido por Roman Polansky para Prada, interpretado por Helena Bonham Carter y Ben Kingsley y  presentado recientemente en el Festival de Cannes. Esta particularidad, hace que este fashion film tenga mérito doble, ya que, por más méritos cinematográficos que tenga, en definitiva, es un spot publicitario, y el primero en ser así, proyectado en el festival de cine de mayor prestigio y para colmo, dicen que ha sido ovacionado.

Miuccia Prada está considerada como una de las “intelectuales” de la moda, con sus colecciones, no sólo teoriza si no que, muchas veces, llega a proyectar paradigmas socio-culturales e incluso políticos y, para “A Therapy”, se alió a Polansky, considerado, por su lado, uno de los mejores cineastas contemporáneos que, a pesar de los altibajos que presenta su obra, ha sabido construir una filmografía coherente, a partir de varios elementos utilizados recurrente y cohesivamente y que la incluyen así, en la categoría de “cine de autor”. El punto de vista, los ambientes y decorados y las características psicológicas de los personajes, suelen ser su punto fuerte, lo ha demostrado, una vez más, con “A Therapy”.

El binomio Polansky-Prada decide así, narrar una historia a partir de la teoría psicoanalítica, basada en la exploración del inconsciente a través de la técnica de la asociación libre. El psicoanálisis se encuentra entre las técnicas de descubrimiento o develación que intentan que el paciente logre una comprensión profunda de las circunstancias (generalmente inconscientes y como en el film, a partir de la interpretación de un sueño) que han dado origen a sus afecciones. El sarcasmo y la ironía habitual de Polansky, está vez, trasciende límites cuando justamente es el psicoanalista el que resulta ser un gran fetichista y enloquece con el abrigo de su paciente.

Polansky, además de ironizar sobre el deseo inconsciente que provoca e instaura el Branding,  juega con uno de los temas centrales de la teoría freudiana. Parece que, como Freud lo recomendaba, el estudio del fetichismo sigue siendo una de las mejores opciones para comprender, el Yo psicoanalítico, un probador de la realidad, la inteligencia, la razón y el conocimiento de causa y efecto para aumentar la libido, las gratificaciones y poner freno a la pulsión de la muerte. Todo lo que puede provocar un abrigo Prada…

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Skull inspiration, de Rembrant a Swab pasando por Hirst…

Durante mi visita a la última edición de Swab, Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Barcelona, detecté, a partir de distintas interpretaciones artísticas, que la calavera volvió y con fuerza. No es una novedad que sea objeto de inspiración artística. La calavera ha sido introducida en el arte, al menos, a partir de la Edad Media. Posteriormente, apareció con recurrencia en la pintura barroca de Caravaggio, Rembrandt o Rubens como una evocación a la pasión, la emoción o la muerte y, seguramente, en oposición a tanta racionalidad renacentista.

La calavera, símbolo de múltiples acepciones e interpretaciones, habla de muerte y de vida y nos obliga, a reflexionar sobre la existencia humana y la propia.  Puede que la célebre pieza de Damien Hirst ” For the love of God” 2007, una calavera de platino, incrustada de 8.601 diamantes, considerada la pieza de arte moderno más cara del mundo (se vendió en 77 millones de euros) haya sido la causante de esta tendencia? La calavera de Hirst se exhibe, hasta septiembre, en la Tate de Londres, en el marco de una exposición retrospectiva del artista.

A continuación, algunos ejemplos de calaveras que coincidieron, en tiempo y en espacio, durante la edición Swab 2012 y establecen el indicio de la posible tendencia.


 

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Sónar, emisión de impulsos sonoros y visuales…

Sónar, Festival Internacional de Música Avanzada y New Media Art de  Barcelona, celebrará su 19° edición del 14 al 16 de junio. 

Texto St Xavier Octavius

www.sonar.es

Sónar nació a fines de los 90, es hijo de una Barcelona redefinida, renovada, con ansias de cambio e innovación y de un contexto urbano, moderno y futurista que, alentó a la investigación, a la experimentación, al cultivo y a la explotación de nuevas tendencias y manifestaciones socio culturales. Por ello, es gran mérito, de los responsables de la organización, haber identificado, en aquel momento, la importancia y el futuro de la música electrónica y haber creado así, un festival donde, año tras año, se promocionan y se amplifican, las últimas tendencias musicales. Como la clarividencia y la sensibilidad suelen tener premio, el Sónar ha crecido con fuerza y constancia y se ha posicionado, como el festival de música electrónica europeo de referencia. Ahora se exporta también a Sao Paulo, Tokyo y Cape Town.

La música es una disciplina muy sensible y mucho más susceptible al cambio y a la evolución que otras. Es una manifestación cultural, radar de transformaciones sociales que, usualmente logra recoger y proyectar en letras, melodías, sonidos o vídeos. Así, Sónar se presenta como un contenedor de tendencias y consciente de este estatus, siempre comunica de una manera personal, transgresora y de avanzada, como la música que promociona. La campañas promocionales de Sónar son esperadas en todo el mundo, en ellas, concepto e imagen se suelen dar la mano y como la música, han mutado y evolucionado y han sabido, recoger y proyectar  tendencias sociales. Un recorrido por el Sonarimage testimonia  lo anteriormente dicho.

De los posters y fotos, de las campañas de imagen de 1994 al 2008, a la primera película en 2009. El film promocional del 2010, “Finisterrae” ganó el Tiger, premio máximo del Festival de Rotterdam. En el 2011, el festival se subastó en Ebay y en 2012, Sergio Caballero (Codirector de Sónar) vuelve al ruedo con imágenes y conceptos surrealistas. De intención claramente rupturista “La Distancia”, transcurre en una central térmica en Siberia y narra la historia de un robo a manos de tres enanos. Con bermudas y abrigo de visón, subiré el volumen a favor del pop electrónico de Hot Chip, Metronomy o Friendly Fires y el techno de Modeselektor, entre muchos otros, y provocaré seguramente una bien merecida standing ovation por New Order…

 

 

 

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Conversación sobre cine de autor con Mia Hansen-Love

Texto StXavier Octavius/Photo Kiril Chakhnazarov

Es la elegida, por la prensa especializada internacional, como la abanderada del actual cine de autor francés. “Un amour de jeneusse”, su tercer película que completa una trilogía,  ha sido otro éxito internacional y se acaba de estrenar en España.

“…Mis guiones vienen realmente de una necesidad vital, una respuesta a mi propia vida y existencia, no podrían estar nunca inspirados por terceros…”

¿Qué se siente ser la abanderada del actual cine de autor francés? No estoy bien posicionada para valorar este juicio sobre mi persona, aunque me siento contenta de que me continúen percibiendo como una joven cineasta (risas). No me quejo, me considero afortunada de estar identificada a la modernidad y a la juventud, mismo si mis películas, nunca han tenido como objetivo primordial, proyectar un aire moderno. Aprovecho para mencionar que existen muchos jóvenes cineastas en este momento, en Francia, que tienen mucho éxito tanto local como internacional y muchos de ellos, son mujeres. De todos modos, aún no existe ningún movimiento que se forme en torno a este grupo, aunque ya se dibujen algunas tendencias. En general, la práctica del director de cine de autor es relativamente solitaria, lo que no quiere decir que uno sea solitario pero, a la hora de trabajar, lo hacemos desde cierta soledad, a veces personal y otras también profesional.

Una definición de cine de autor. En principio, es un tipo de cine en el cual, la escritura juegue un rol esencial. Puede ser que esta definición a mucha gente no le guste pero, yo estoy segura de poder defenderla. La teoría del cine de autor la crearon, a finales de los años 50, los jóvenes cineastas de la Nouvelle Vague. En sus orígenes, se presentaba como vital la idea de vincular el guión, la historia que narra la película, con la dirección, aunque este concepto, ha evolucionado con el tiempo. Hoy en día, para mí, continúa siendo muy importante esta relación, mismo si para mucha gente no es pertinente porque actualmente, son muy pocos los cineastas que escriben sus propias ideas, incluso grandes cineastas, por lo cual, no podríamos hacer descansar la noción de cine de autor únicamente en esta premisa. Por otro lado creo, por ejemplo, que hacer un cine que se presente como independiente de la lógica del cine comercial, que defienda un cierto compromiso y ciertos valores morales y estéticos, son algunos otros elementos que pueden definir también, en la actualidad, a cierto cine de autor.

¿Mia Hansen Love realiza cine de autor? Sí, totalmente. Me gustaría añadir algo y completar así, la definición de autor que se planteó en la pregunta anterior. El cine de autor para mí, es aquel cine hecho por realizadores que justamente, creen en el cine de autor, algo que no es muy usual, hoy en día. Mucha gente juzga esta noción porque la encuentran elitista. Incluso, actualmente, en Francia, existen indiscutibles grandes autores que, no aprecian la noción de cine de autor. Personalmente, este desamor por el concepto de cine de autor me molesta. Veo en ello un cierto narcisismo, cierta falta de coraje en relación a, en dónde se encuentran aquellos que la critican. Veo una especie de consenso general, en el miedo de formar parte de una élite. Siento que existe, en Francia, una especie de rechazo hacia la noción de autor, lo que encuentro peligroso e intento combatir.

En su última película percibí mucho de auto-referencial o autobiográfico. Todos mis films parten, evidentemente, de cierto material auto-referencial pero, para mí, son completamente ficción. La escritura es el momento en el que transformo el material original, del que parto, en otro material, ese pasaje, es el que provoca que se convierta en ficción algo que, originariamente era realidad. Aunque pueda aplicar transformaciones, tanto el origen de la historia, al igual que los sentimientos, siempre, han tenido que ver con algo autobiográfico, no sé escribir de otra manera. Justamente, ese tipo de material autobiográfico, es el que siempre me hace escribir. Después están la personalidad y la interpretación de los actores que se apropian de nuestras historias y también las transforman. Finalmente, siempre existe una diferencia entre lo vivido y lo filmado y ese es el espacio que ocupa la ficción.

¿A lo largo de su vida ha visto mucho cine? No, lamentablemente no. Me tendría que poner al día. He visto mucho cine mientras trabajaba como crítica en Cahiers du Cinéma, pero como ese trabajo no duró demasiado… Tengo un conocimiento muy irregular y me siento completamente acomplejada por eso, sobre todo cuando leo que en la época de la “Nouvelle Vague” (en los ’60), Jean Luc Godard y sus amigos visionaban al menos, tres películas al día.

¿Cuál es el tipo de cine que prefiere? Me siento muy próxima al cine de la Nouvelle Vague y respecto al cine contemporáneo también existen muchas cosas, del mundo entero, que me gustan. Por ejemplo, recientemente vi, “Oslo 31 août” (Joachim Trier, 2011) y me sentí muy   cercana. Muchas veces este tipo de cine me es mucho más familiar que la mayoría del cine francés actual.

¿Si hablamos de inspiración? Existen varias películas que son importantes para mí pero, nunca han sido películas que me hayan inspirado, sería contradictorio afirmar lo contrario. No creo en un cine que inspire a hacer cine. Me sorprende leer, a veces, que algunos realizadores digan que su película viene de otra película. Yo nunca me inspiro viendo cine. Me imagino tal vez, que haya algunas influencias en mis películas, de otras películas pero, seguramente sean inconscientes. Mis películas son en realidad tan mías…, tan íntimas… Por ejemplo, también soy fan de Ingmar Bergman o de Éric Rohmer, me siento muy cerca de ese tipo de sensibilidad pero, no creo que nunca película de ellos me haya inspirado o incitado a escribir. Mis guiones vienen realmente de una necesidad vital, una respuesta a mi propia vida y existencia, no podrían estar nunca inspirados por terceros. Es impensable, mismo inviable, nunca me podría copiar, ni siquiera referenciarme de la sensibilidad de otros directores, aunque me sienta muy próxima a su sensibilidad. Para mí, no es suficiente que un film me emocione como para inspirarme a escribir una historia. En mi caso, mi inspiración viene de más lejos, viene de mi infancia, de mi adolescencia.

Con “Un amour de jeunesse” logró convertir en universal, una mirada muy personal. ¿Cree que en esto se podría basar el éxito de la película? No lo sé, la verdad que nunca pensé que la película viajaría tanto. Hace un año que no paro de viajar para promocionarla, por momentos me siento muy cansada pero no me quejo, al contrario, todo ha sido muy halagador y satisfactorio. Sinceramente no esperaba un éxito tan rotundo y parejo en todo el mundo. De hecho, “Un amour de jeunesse”, a priori, estaba considerada como una pieza muy francesa y sin embargo, ha tenido más éxito y ha sido casi mejor comprendida, en el exterior que en Francia. Lo mismo ocurrió con mi segundo film (“Le père de mes enfants”, 2009), el primero (Tout est pardonné, 2007) nunca salió de Francia. Esto para mí ha o el mundodo muy halagador y satisfactorio.esta sean ha sido como milagroso, algo que, en realidad, no puedo explicar. He tenido mucha suerte, no lo esperaba…

Escuché hablar de Edén, su próximo proyecto, ¿el éxito de “Un amour de jeunesse le ayudará a conseguir dinero para financiarlo fácilmente? Curiosamente no. Por ejemplo, el éxito que tuvo en el extranjero mi segundo film, me ayudó a hacer “Un amour de jeunesse” muy rápido pero, ahora, todo se complica un poco más. El hecho de haber tenido éxito y tener ya, cierto nombre, para muchos organismos o tipos de ayuda, en Francia, no provoca ningún impacto, incluso puede jugar en tu contra porque hay muchas ayudas que están únicamente dirigidas a jóvenes realizadores o exclusivamente a la financiación de óperas primas. Ahora necesito más financiación que nunca porque Edén, mi próximo film, es un proyecto muy ambicioso y caro, hablamos de otros presupuestos… Aún no sé si lo podré hacer. La historia es un drama épico romántico, transcurre en aproximadamente veinte años, son casi cuatro horas de película, dos partes, ambientado en la noche parisina y la escena house francesa de los años 90, de donde salieron figuras como Daft Punk. La historia está inspirada por vivencias compartidas con mi hermano, Sven Love, DJ en esa época. Puede sonar paradójico pero después de cada película, es como comenzar de cero. El cine comercial va por caminos muy diferentes al cine independiente. En mi caso que, además no trabajo con actores reconocidos, el camino para convencer a un inversionista se hace aún más duro, es una lucha.

¿Por qué las cuatro veces que tuvo la posibilidad de contar una historia eligió que duren en el tiempo, puede ser un signo de autor? Es difícil de explicar creo que, en realidad, es mi forma de inspiración. Nuca elijo un tema para escribir, admito que, a veces, siento envidia cuando veo que muchos directores, sí lo pueden hacer. Cada vez que escribo sobre algo es porque se impone a mí y siento que no tengo otra opción, es eso o nada. Es muy difícil escribir, la escritura es algo muy frágil, cuando algo se presenta ante mí, de forma intensa, no puedo permitirme el lujo de rechazarlo.

¿Reconoce alguna tendencia social que se refleje en el cine de autor contemporáneo? Independientemente de mi valoración sobre el film, detecté un elemento recurrente que no me gusta. Existe una especie de “comunitarismo”, una visión del mundo dividida entre hombres y mujeres, por ejemplo, chicas que hacen películas para chicas, gays que hacen películas para gays. Esto reduce completamente la visión sobre el mundo y los seres humanos. Veo al mundo dividido en categorías de gente que no se comprende, que no pueden comunicar y esto repercute, evidentemente, en las relaciones humanas. Existe una tendencia global, hacia valorar y representar a la “comunidad”, así, muchas películas definen a sus personajes, primero en tanto categoría sexual o social antes que como ser humano.

¿Qué piensa acerca del éxito mundial, de los últimos años, del formato serie de televisión ? Me resulta muy complicado involucrarme con las series de televisión, incluso si algunas parecen estar muy bien hechas y ser muy interesantes. Creo que responden a otras necesidades. Par mí, en tanto espectadora o lectora, siempre se me presenta como vital, una necesidad de saber quién me habla y qué me dice, intentar escuchar su voz o descifrar su alma, de lo contrario, me huele a industrial y pierde mucho sentido. Hoy en día, en Francia, existe una fascinación total por el concepto “serie”, me imagino que es porque existen buenas razones para que así sea, seguramente se hagan cosas formidables sobre todo a nivel creativo e incluso a nivel tendencias. Tal vez me equivoque pero, creo que es algo que tiene que ver justamente, con lo que mencionaba antes, este cierto rechazo hacia la noción de autor, que incluso noté que existía dentro de la revista Cahiers du Cinéma que sistematizó la teoría del autor.

¿Hacia dónde cree que va el cine independiente en Francia? Creo que, en general, el cine independiente francés se comporta bien, se hace mucho cine pero, existen dos tendencias que me inquietan bastante. Una es, no valorar al cine como la construcción de una obra y desarrollar historias, únicamente, a partir de temas sociales impactantes para asegurarse así, el éxito de la película. La otra tendencia es, la evolución y devoradora presencia del star system por lo cual, en la actualidad, casi nadie valora que alguien haga películas con actores desconocidos. Hasta en Cannes que, históricamente era un festival donde el cine independiente tenía su lugar, hoy en día, existe toda una lógica de películas únicamente con actores famosos. Las reglas de juego se imponen en esa dirección, creo que esto atenta contra la libertad de expresión y a los directores independientes así, nos lo ponen aún más difícil. Ahora, si no trabajas con vedettes, son muy pocos los inversores que quieren financiar tus proyectos.

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Fab Ciraolo, la contemporáneidad hecha ilustración…

http://fabianciraolo.blogspot.com.es/

Descubrí al ilustrador y diseñador gráfico chileno, Fabián Ciraolo, recientemente, a partir de que varias amigas (sin conocerse), decidieran, casi simultáneamente, que una Frida Kahlo contemporaneizada, con camiseta de Daft Punk, ocupe en Facebook, el lugar de sus fotos de perfil. No tardé demasiado en dar con el paradero de su autor.

Es inevitable, “pas tomber sur le charme” (como dicen los franceses) y que no te agrade el trabajo de Ciraolo pero ya no por sus razones obvias : el manejo de la paleta de colores, el universo vintage del que se apropió,  los íconos y celebridades que escoge retratar, si no porque está altamente documentado, conoce perfectamente la historia, controla muy bien la ironía, posee un alto manejo de la información,  como así también, una imaginación ilimitada.

La fusión de disciplinas que practica, ya que a técnicas de la ilustración combina de la pintura y del diseño gráfico, la selección de sus personajes y la de los momentos históricos a los que los desea incorporar, provoca un gran ejercicio pero, no sólo visual, si no también de comparación, catarsis y reflexión. Es una obra completamente sintetizadora y altamente contemporánea. Fabian Ciraolo, un artista de su tiempo, vaya…

 

 

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