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Miu Miu, formas femeninas conceptuales…

MANIQUI : del holandés manneken, “hombre pequeño” (imposible no pensar en el “manneken” pis belga). En muchas ocasiones, de tamaño natural, articulado del cuerpo humano, usado por artistas  para representar la figura humana o por escaparatistas para exhibir indumentaria. Tuvo su origen en el antiguo Egipto y a partir de la revolución industrial llegaría a los escaparates.

Miu Miu lleva varias temporadas diseñando maniquíes exclusivos pero los últimos me provocaron una profunda catarsis y me permitieron realizar una infinidad de interferencias. Tengamos en cuenta que son una pieza clave dentro del mundo de la moda, la cual, evolucionó y tomó diferentes formas a lo largo de la historia. Son una representación de la mujer pero también pueden ser, como es el caso, una proyección. Los hay étnicos, realistas y ahora también surrealistas. En todos los casos, responden a cánones imperantes de estilo y belleza.

El escaparte es una prolongación lógica de la marca, por ende, un espacio narrativo donde se pueden contar historias sobre : producto, experiencia, target o universo de marca. La puesta en escena es esencial y todos los elementos que la componen colaboran a la representación. El sector del lujo suele hacer un culto del escaparatismo donde cada elemento ayuda a representar y acentuar los valores de marca.

Los cánones femeninos y la exaltación de la belleza son cambiantes, cada marca suele tener su propia representación, la que debería ser coherente con su espíritu. Miu Miu pretende proyectar valores tales como la contemporaneidad, una extravagancia simple, la libertad, lo alternativo  (dentro del lujo conservador) coquetea con el arte y piensa en una mujer intelectual e independiente. Así, se sirve de una representación conceptual para englobar una lista de principios y narrar, apoyándose en una metáfora, como joven culta que paseó por claustros universitarios…

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Fashion Terrorism, de Humor Chic & Crítica Social…

Me declaro profundo admirador del artista contemporáneo, ilustrador y diseñador de sueños (como así se define) Alexsandro Palombo, quien vuelve a estar en la palestra, esta vez, por la serie de ilustraciones, “Fashion Simpsons”. Este italiano, formado en la escuela Marangoni de Milán, donde reside y desde donde lanza sus granadas al mundo y a la industria de la moda, se ayuda de un imaginario tan irónico y extravagante como provocador, para así, denunciar, generar análisis y reflexión.

El que, entre otras cosas, nos mostró, desde “Humorchic” (su blog), a las editoras de moda más en “vogue”, en la intimidad de su cuarto de baño y con su lectura favorita; nos presentó a los “indignados” de la moda; nos hizo comprender las presuntas relaciones entre la mafia calabresa y el asesinato de Gianni Versace; reflexionó sobre la evolución del Burka y la libertad o vitoreó a un Gadafi muerto. Ahora, en un juego de oposiciones, al límite de lo absurdo, nos presenta la serie “Fashion Simpsons” y lo curioso es, la cantidad de  similitudes que encontramos, en dos mundos, a priori opuestos.

La ley de la atracción… Los opuestos se atraen y en este caso, sirven para satirizar un mundo, el cual, Palombo conoce muy bien. El ejercicio parece simple pero es complejo, se apodera de íconos, slogans, significados y significantes y desde la ilustración, con sátira e ironía, genera denuncia político-social y con su método, somete, a los que trascienden la  pura estética o el humor inmediato, a intensos ejercicios de reflexión.

El italiano, de visión crítica, aplica un viaje de descenso, la cúspide del mundo de la moda, se fusiona y metamorfosea con el cliché de la América profunda. En 2007, el ilustrador Julius Preite, realizó un ejercicio similar, para Harper’s Bazaar, pero en dirección contraria, por ende edulcorado, “Los Simpsons van a París con Linda Evangelista”. Por acceder e interactuar en el selecto club de la moda, en un mar de halagos, el cruce de Preite, provoca el ascenso y reconocimiento social de la familia de Burt.

Mi respeto por el trabajo de Palombo se ve justificado desde distintos ángulos. Además de dominar la técnica, ser un eximio ilustrador y hacer algo estéticamente atractivo pero con fondo y concepto, posee un sólido background cultural y una capacidad de análisis poco usual, gestando arte al servicio de la reflexión y el avance social. Recientemente hospitalizado, con un diagnóstico complejo  de los llamados “raros”, no dejó de dibujar, postear y provocar para avanzar. Humberto Eco dijo : – Una obra de arte es una confesión.

Series anteriores :

“INDIGNADOS”

 

“FASHION TOILET”

El cruce de Preite en 2007 para Harper’s Bazaar :

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La moda y su efecto mariposa…

El simple aleteo de una mariposa puede cambiar el mundo“ (proverbio chino).

Los lepidópteros (Lepidoptera, del griego «lepis», escama, y «pteron», ala) son un orden de insectos holometábolos conocidos comúnmente como mariposas; las más conocidas son las mariposas diurnas, pero la mayoría de las especies son nocturnas.  Es el segundo orden con más especies entre los insectos, de hecho, cuenta con más de 165.000 especies clasificadas en 127 familias y 46 superfamilias.

Las mariposas ponen sus huevos en una planta. Nacen como larvas semejantes a gusanos. En un momento de su desarrollo, la oruga se protege en un lugar resguardado y allí se transforma en crisálida. En este estado no se alimenta, y sufre grandes cambios metabólicos y morfológicos, cuyo conjunto es llamado metamorfosis.

La moda, como una mariposa, nace, crece, se expande y muere. Lo que en algún momento admiramos y difundimos, un día, se convierte en pasado de moda. Así, la moda no es sólo indumentaria, es un movimiento, un sistema. Una manera de ser, de vivir, de comer, de divertirse, de vestir, de decorar… Todo puede ser objeto de moda y estar en algún momento a la moda.

Sin embargo, en la actualidad, el término moda evoca, habitualmente, la renovación del sector textil y de la indumentaria. Nos encontramos frente a una gran paradoja porque en sus orígenes, el concepto moda, encumbraba innumerables matices objetos de una gran reflexión.

Para revalorizar la importancia de comprender a la moda, como un movimiento social, cuyo análisis podría arrojar pautas para la anticipación y la innovación, deberíamos primero, comprender que la indumentaria es un elemento representativo, pero no es el único, en condiciones de representar al sistema. De aquí, que el concepto moda sea multiforme y a cada uno privilegiar si la manera, el movimiento o las piezas…

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De Hitchcock a H&M, copia no es inspiración…

Pasando por Barbie, Helmut Newton, Ozzy Osbourne, Tom Ford y seguramente otros más…“The Birds” (Los pájaros, 1963) de Alfred Hitchcock, basado en un relato de la escritora Daphne du Maurier, continúa inspirando. Así es la relación cine/moda. Un tándem que tiene historia. Dos lenguajes y sistemas que se persiguen y complementan. Por distintas razones, el oficio de ambos es narrar historias, así, a veces se retroalimentan, se inspiran o simplemente se copian…

El cine de Hitchcock suele ir más allá de la mera narración. Despliega una lógica que nos obliga a reflexionar e ir en la búsqueda de respuestas existencialistas incluso trascendentales. Los ataques de los pájaros tienen la capacidad para alterar el cotidiano aburrido y monótono de un pequeño pueblo, pero por qué ocurre esto ?  Responder a esta pregunta, no creo que haya sido el ejercicio intelectual, realizado recientemente, por el escaparatista de H&M, quién decidió posar cuervos sobre los maniquíes  de la tienda, emulando (para no decir copiar) las míticas fotos promocionales de Hitchcock y Tippi Hedren.

El escaparatista de H&M tal vez no visionó los pájaros pero seguramente vio, en alguna revista de moda, las gráficas Tom Ford Eyewere Collection 2010, alguna foto de Helmut Newton o tal vez de niño jugaba con la Barbie “The Birds”. Así, lo que hubiera podido ser una inspiración : brote de creatividad irracional e inconsciente a partir de un input externo, se transforma en una simple copia que destruye completamente signos y significantes y con ello, todo sentido. No hay ejercicio, sólo una apropiación que no se adapta ni evoluciona. Inspiración no es copiar, es ”recibir el aliento”,  una motivación para hacer algo mejor, diferente, enriquecedor, siempre suma, nunca resta.

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Mímesis, uniform dressing !

Si no fuese Analista de Tendencias, estas fotografías, tomadas hace un instante en el centro de Barcelona, me podrían parecer unas imagenes  puramente banales. Sin embargo, capturan una infinidad de significado y significante, digno para el desarrollo de una tesis. Por otro lado, son un ejemplo claro y contundente, de una de las principales teorías del Coolhunting. Pensar únicamente en que tal vez, “Converse” realizó un buen trabajo de posicionamiento y comunicación,  sería  acertado en cierta medida, pero reduccionista, por intentar mirar el árbol sin ver el bosque. ¿Qué otra cosa debe ocurrir para que cuatro adolescentes y amigas vistan practicamente igual?

Mímesis : Es un vocablo latino (mimēsis) que deriva del griego (μίμησις, mímesis) y se traduce como “imitación”. Es distinto de “representación” cuya principal diferencia radica en la naturaleza de su mecánica, donde la mímesis se revela a que se la compare con el referente, convirtiéndose en algo equivalente al original. Sin embargo, el ejercicio mimético obliga el uso de rasgos representativos. Si bien, la mímesis es un sinónimo adecuado para analogía, en general se habla de mímesis cuando existe un parecido más exacto con su original.

Una tendencia es la dirección hacia la que se mueve un comportamiento. Así, las tendencias forman parte de nuestro entorno y de nuestra cultura y a veces son víricas, nos contagian, es una de sus maneras de evolucionar. Richard Dawkins en su libro “The selfish gene” propone una teoría, en la cual, un meme es la versión cultural de un gen, en el sentido que se autorreproduce como respuesta a ciertos cambios sociales. Este es el proceso que denominamos “imitación” y del que muchas veces dependemos para pertenecer a un cierto grupo social, elevar nuestra autoestima o luchar contra nuestros prejuicios o inseguridades.

Solemos creer, a veces consciente otras inconscientemente, que imitando se nos facilita la supervivencia social. Adquirimos y compramos objetos y prendas por una razón estética pero también, por lo valores sociales, psicológicos o culturales connotados y asociados que se traduce en cierto tipo de presión o influencia que ejerce sobre nuestras decisiones. Entonces, en una sociedad en la que se valora diferenciarse y costumisarse las prendas del guardarropa, paralelamente crece, una contratendencia, un numero de adolescentes que se individualizan y relacionan a partir de la similitud que es otra manera de diferenciarse. Este tipo de tendencia, suele ir en contra de la apertura y la creatividad, por lo cual, suele tener una evolución limitada.

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Lobster Power !

Grace Jones, Isabella Blow, Roisin Murphy & Lady Gaga, todas ellas, comprendieron prematuramente el poder de la imagen y la importancia de utilizar estilismos extremos para diferenciarse, ser foco de atención, posicionarse y consolidarse como marca. Hasta aquí todo correcto, casi de manual, sin embargo, el problema puede aparecer, cuando la fuente de inspiración de tus estilistas  u asesores, es la misma.

Si se trata de llamar la atención, aunque no sea por convicción, nada más sencillo que recurrir a la estética surrealista. Después de casi 90 años, la producción cultural y el abundante legado, de esta vanguardia artística, que investigó en profundidad y logró fusionar desde la creación distintas disciplinas, e ir más allá de los límites establecidos, continúan influenciando e inspirando a creativos y artistas.

En el año 1924, André Breton, precursor, líder y gran pensador del movimiento filosófico, que repercutirá en todas las disciplinas artísticas, después de leer “La interpretación de los sueños” de Sigmund Freud, lanzó el primer manifiesto surrealista de construcción romántica. Así, el inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino comunicación vital directa del individuo con el todo.

El surrealismo propone entonces, trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. Esa conexión se expresa de forma privilegiada en las casualidades significativas, en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño, donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas.

Salvador Dalí, aunque expulsado del movimiento, es en pintura (con Miró y un período de Picasso) uno de sus grandes referentes. Su obra y psicología creativa continúan inspirando y empujando a la creación. Como el espíritu del movimiento, Dalí supo perseguir la intersección entre su obra y su pensamiento y el de otros artistas de diferentes disciplinas. En indumentaria realizó una intensa colaboración con la modista italiana Elsa Schiaparelli y el francés Christian Dior.

El ejercicio y la investigación partía de la reproducción creativa de un objeto que así, lo transforma y lo enriquece. Las langostas, los teléfonos, los relojes, el tiempo, son algunas de las obsesiones de Dalí, que además de soñar recurrentemente con ellas, lo ayudan a investigar y a crear. De la fusión de dos de sus obsesiones surgirá el célebre “teléfono langosta” (1938, para su mecenas, el poeta, Edward James)  y el posterior “vestido langosta” realizado por Schiaparelli para Wallis Simpson.

Dalí exhortaba a un cotidiano con altas dosis de fantasía. Para lo cual era indispensable dejar emerger nuestro inconsciente, de aquí que utilice el diseño de objetos como propulsor de este objetivo. El surrealismo supuso una gran revolución a nivel diseño, tal, que cuatro personajes de nuestro tiempo, casi simultáneamente, portan el mismo sombrero…

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Escrito en el cuerpo…

No es casualidad, que en los últimos tiempos, Rick Genest (Zombie Boy), un canadiense, performer y extremadamente tatuado, de 25 años, se haya convertido en modelo de Thierry Mugler y en inspiración y acompañante de Lady Gaga, para su canción y consecuente videoclip, “Im love with a zombie”.  Tampoco tiene que ver, si bien existe un vínculo, con que Nicola Formichetti sea el director creativo de ambas marcas (si, Lady Gaga es una marca). Aquí es cuando ciertas tendencias sociales comienzan a consolidarse y determinados sistemas poseen la lucidez de apropiarse prematuramente, para empatizar con sus seguidores y presentar nuevas ideas como creativas, anticipadamente.

Los que nos dedicamos a la “observación social” sabemos que hace algunos años se sembró la semilla del tatuaje extremo y ahora está germinando. Solo basta con ir a ciertos eventos o festivales para descubrir la cantidad de hombres y mujeres ilustrados. “Zombie Boy” no es un caso aislado, es consecuencia de una época y de la reinterpretación de una técnica milenaria por parte de la sociedad contemporánea. Tampoco es casualidad que Taschen lance, en su colección “Icons”, la edición “Tattoos” o que Chanel muestre, en uno de sus desfiles, en una versión edulcorada, a sus modelos con tatuajes temporales.

El tatuaje comenzó como ritual y evolucionó de diversas maneras. Según el tiempo y la civilización adquirió formas y significados diferentes. De sus orígenes en Polinesia pasando por Egipto, América, Japón, Medio Oriente y volviendo a América.  De sentido estético y adorno, en sus inicios, a nociones de jerarquía, funciones mágicas y protectoras, carácter sobre natural, al tatuaje de Japón (tradición más relevante) donde para marcar, originariamente, a los delincuentes, se convirtió en un arte imperial, retomando su función básica de ornamento corporal y utilización estética, hasta prohibir su implementación en 1842. En 1846 volverá a Occidente, a través de los marineros expedicionarios a la Polinesia (curiosamente donde se establecen sus orígenes). Así, el primer tattoo studio, se establecerá en New York en 1846.

En Occidente, durante el SXX, el tatuaje, fenómeno urbano, también pasó de un grupo social a otro, tuvo distintas connotaciones y gestó diversos significados y asociaciones. De hecho, existen algunos referentes culturales relevantes, que se apoderaron de este universo, la novela “The illustrated man” (1951) de Ray Bradbury, llevada al cine en 1961, en la cual, el cuerpo de un vagabundo, es el soporte para narrar dieciocho historias sobre la naturaleza humana, “Pillow Book” (1996), película de Peter Greenaway, donde el tatuaje aparece como un componente ancestral y altamente erótico y la serie “Prison Break, cuyo personaje principal, completamente tatuado alude a la corriente e íntima vinculación, tatuajes y prisión.

A partir de los 90’s presenciamos una transformación y vemos como el tatuaje es incorporado progresivamente por la sociedad y se normaliza su presencia. Como en sus inicios, vuelve a cumplir funciones estéticas y no distingue entre sectores sociales. Otra tendencia que indica un “back to the basis, así, individuos del SXXI, deciden convertir su cuerpo en una obra pictórica. No es casual, vivimos la era de la imagen y la individualización extrema, la que viene acompañada de una angustiante necesidad de diferenciación para que no nos devore, la globalización homogeneizadora. El cuerpo cobra otro significado, se transforma en manifiesto, tatuarlo significa se único y diferente.

Hace siglos, como los maoríes, a partir de otra piel, creamos otra identidad y transmitimos ciertos valores. Nos tatuamos hasta que no quede un trozo de piel desnuda en nuestro cuerpo. De los pies a la cabeza y cuanto más complicado es el diseño del tatuaje mayor es el prestigio y reconocimiento social. Es un proceso doloroso que comienza prematuramente, nos embellece y nos renuevan durante toda la vida. También es la Polinesia, en el mundo antiguo, el lugar que posee la mejor reputación de tatuaje artístico. Filosofía, estética, ¿retroceso o vuelta a las fuentes?

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On sale. Nuevas tendencias, viejas resonancias y estratégias…

“El verdadero creador de moda debe vivir el arte” (Coco Chanel). A Yves Saint Laurent le gustaba repetir esta frase y siempre asumió ser fan de Madame Chanel. Supo ser un alumno aplicado, considerado uno de los diseñadores del SXX, que mejor buscó, encontró y proyectó, desde la creación de indumentaria, la intersección de la moda con el arte pero también, supo actualizar esta fórmula e incorporar, cuando ha sido necesario, nociones de marketing, comunicación e imagen.

A finales de los 60′s, con la apertura de su tienda “Rive Gauche”, Yves Saint Laurent provocaba un cambio de paradigma, el declive de la Alta Costura y el nacimiento del Prêt- á-porter europeo. De diseños y creaciones para algunos, asistíamos al paso de diseños y creaciones para muchos. Los tiempos y las necesidades eran otros, los medios y las herramientas para potenciar todos sus atributos y sus posibilidades también. Saint Laurent, visionario en muchos aspectos, comprendió prematuramente como rejuvenecer su marca y otorgarle valor, a partir de un cierto culto, estudiado medido y elegante, a su personalidad y entorno.

A finales de los 90′s y a principios del SXXI, con la constitución de los grandes grupos de moda, el panorama del sector, volvió a vivir una fuerte transformación. Un par de holdings (Grupo Gucci & Grupo LVMH, en continúo enfrentamiento), reactivaron el sector de la moda y el lujo, en déficit, pasando a comprar las marcas más importantes del sector, haciéndolas altamente rentables. Poco a poco, el mundo de la moda, como durante la guerra fría, quedaba dividido en dos grandes bandos. Así, las reglas del juego volvieron a cambiar. Se habló de la democratización del lujo, de vender más gafas o perfumes que ropa y de los famosos “diseñadores estrella”. A todo esto se sumó la moda del “Branding” y la creación de marca. El paradigma del cambio fue “Gucci”, de la mano de su diseñador y director creativo, casi icono, Tom Ford.

Curiosamente, Ford también asumió siempre, ser fan de Yves Saint Laurent, aunque parece, el sentimiento no era recíproco. De hecho, durante algunos años y simultáneamente a la dirección creativa de Gucci, Ford realizó también la de “Rive Gauche”, ya que ambas marcas, formaban parte del activo del mismo grupo. Así, la moda y el lujo pasaron a ser una cosa muy seria e integrar parte de la cultura, la política, la economía, el lobby, las universidades.  Había que empatizar con la mayor cantidad de consumidores y facturar mucho, de esta manera, la comunicación de moda cobra nuevos sentidos y alcanza niveles desopilantes. Además de vender identidad y valores de marca había que vender “diseñadores estrellas”. La lista es larga, Tom Ford, Marc Jacobs (del bando contrario, Louis Vuitton y ex jefe de Ford), John Galliano (para Dior y para su propia marca), Alexander Mc Queen (recientemente fallecido). Cabe mencionar a Martin Margiela, también estrella pero actuó por oposición, nunca le conocimos la cara.

Para comunicar y transferir valores, ya no era suficiente la creación de un “lyfestyle” o de ambientes aspiracionales, había que idealizar al creador para que el comprador además de quererse llevar a casa, una porción del universo de la marca, se quisiera llevar también, parte del mudo, de la vida o al diseñador mismo.  Como en el “Star System”, el “Fashion System” se encargó de que la vida personal e imagen de los “Star Designers” sea atrayente y venda. Después de 40 años algunas marcas de diseñadores mantienen esta estrategía y, a veces, en forma desmedida. Nos preguntamos si guiones como estos, aún encajan, en un mundo que anhela humanización, no más idealización y un urgente “back to basics”, donde tal vez, sea más importante qué se crea y no quién lo crea.

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El diseño orgánico vuelve a ser vanguardia

Las tendencias son patrones que nos pueden inducir a adoptar cambios y nuevas formas de conducta. Entre muchas de las técnicas que utiliza un analista de tendencias, para detectar estas mutaciones, existe la llamada, “análisis de piezas”. Consiste en encontrar señales prematuras que podrían constituir el fundamento de que se está gestando una tendencia o ser simplemente, indicadores de algún tipo de cambio. Se parte del análisis de distintos objetos nuevos, que se cruzan en nuestro camino, despertando algún interés y por poseer rasgos similares, entre ellos.

Las transformaciones del entorno se suelen provocar y se pueden establecer a partir de cambios naturales que influyen a nivel social o vicerversa. Si pensamos en la consciencia por preservar el medio ambiente, así como el cuidado de los recursos naturales, se provocó y orquestó a partir de los síntomas que presentó el sistema, como consecuencia del abuso y el mal uso de los beneficios que nos otorgó la modernidad. Así, el calentamiento global y el consecuente cambio climático, son dos de las tendencias que provocaron un cambio del paradigma y de la concepción filosófica, a nivel diseño,  por ejemplo.

Si bien, el diseño orgánico, es un movimiento que surgió hace varias décadas (Gaudí es un ejemplo excepcional), es en los últimos años y como resultado del análisis de escenarios presentes y futuros, que volvió a resurgir y recobrar fuerza. Destronó al funcionalismo y al minimalismo y algunos consideran, que el hecho de volver a estar de moda es por distintas razones. Una, que la historia del diseño no es lineal, otra, existe una necesidad real de concebir piezas, desde un enfoque más humanizador, que contacten visual y funcionalmente con su contexto y con el usuario.

La naturaleza vuelve a ser vectora de un proceso creativo basada en la observación de los elementos naturales. Movimientos estéticos anteriores, basados en el individualismo, a la hora de diseñar, se alejaron de estos conceptos, dejando de lado, paulatinamente, la libertad de las formas, la intuición, lo particular y los valores individuales, camino a una estandarización. La interconexión y el espíritu de la naturaleza son actualmente algunos de los cimientos que suelen emplearse para realizar ejercicios de creatividad e innovación a nivel diseño.

Como en los 30’s,  las conexiones funcionales, espirituales y emocionales de los objetos con respecto a los usuarios, vuelven a ser la principal preocupación de los diseñadores. Las formas que actualmente son consideradas orgánicas, se basan fundamentalmente en curvas y no poseen ninguna característica particularmente geométrica. Históricamente, desde que surgió el movimiento, la forma, de las curvas suaves y sinuosas se opusieron al rígido formalismo geométrico del estilo internacional, actualmente, en perdida de vigencia.

Debido a los avances en materia de ergonomía, antropometría, diseño y diseño asistido por computadora, las creaciones orgánicas emergieron con más fuerza que nunca sin importar el material en que fueran hechas porque existe un fundamento filosófico detrás, no es una mera razón estética. Ya sea natural o plástico, el diseño orgánico expresa toda su potencia cuando conecta con el usuario de manera subliminal, apelando directamente a su sentido innato de la belleza natural.

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Maison Martin Margiela Beijing, experiencia de compra, más allá de los límites…

Maison Martin Margiela acaba de abrir nueva tienda en Beijing, para la que créo un espacio único e inconfundible. Fortaleció la imagen de marca, utilizando el espacio como soporte , a través de la creación de una experiencia de compra única e inolvidable. Excelente estrategia de atracción y fidelización de clientes, además de ser una forma efectiva para que estos, transmitan sus buenas impresiones y recuerdos a otras personas.

Últimamente se normalizó el hablar sobre la creación de la “experiencia de compra”. Todos señalan que es esencial para diferenciarse. Como muchas otras acciones y estrategias, pero que carecen de sentido u eficacia, si no se las dota de contenido o concepto.  Como siempre, haya o no planificación detrás, la experiencia de compra algo provoca en el comprador, se aconseja pensar en esta situación, para que en cualquiera de los casos, la sensación sea, en lo posible, siempre positiva.

Una tienda tiene por principal objetivo vender pero para potenciar las posibilidades de venta, primero, debe comunicar. Los nuevos espacios, de un tiempo a esta parte, están diseñados y pensados para que así sea : volumétricos, multisensoriales, sinestésicos, personales, únicos… Practicamente es más importante comunicar y estimular (apelar a los cinco sentidos humanos) para multiplicar las posibilidades de llegada al consumidor, crear una experiencia de compra única, dejando una sensación agradable y deseos de repetir.

Photos : by Jonathan Leijonhufvud

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