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París, del Velib al Autolib…

Pensando, supuestamente, en el medio ambiente, después del servicio de bicicleta, llega el del auto eléctrico. París se convierte así, en la primera ciudad del mundo en ofrecer esta prestación a sus ciudadanos y visitantes. La “Bluecar” se podrá alquilar y en la lista de ventajas, la principal, es que no contamina.

Últimamente se considera, que la revolución energética pasa por el coche eléctrico y París, tomó la iniciativa. Se lanzó un perído de prueba para poner a punto al coche y al nuevo sistema. Pronto veremos qué ciudades serán las “early adopters” que se suban a esta nueva tendencia. La Bluecar, diseñada y ensamblada por la italiana “Pina Farina” funciona a batería recargable y asciende cómodamente a 5o km/h.

Desde principios de octubre, 66 vehículos circulan en la capital francesa, son parte del “Autolib” el nuevo servicio de alquiler de coches no contaminantes, sin ruidos ni olores desagradables. Funciona igual que el “Velib” sistema de bicicletas instalado desde el 2007. Se paga un abono mensual de 12 euros y un alquier de 5 cada media hora. Se retira el vehículo en una parada y se devuelve en la que mejor convenga. Si el principal objetivo es que los franceses dejen el coche en casa, cuántos “Bluecar” habría que lanzar al mercado ?

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Diane Pernet & A Shaded View on Fashion Film…

Diana Pernet nació en Washington DC y hace varias décadas, reside en París. En los 80′s diseñaba indumentaría y vestuarios para cine y teatro. Con el tiempo se convirtió en periodista, escritora, documentalista, curadora y blogger de moda y a la moda, casi de culto, vamos… Colaboró para Vogue, Joyce y Elle. Desde su blog “A Shaded View on Fashion” (ASVOF) oficia de caza talentos, además de gestionar el “A Shaded View on Fashion Film” un festival itinerante (supo llegar a NYC, Tokyo, Mexico DF, Londres), que recientemente presentó su edición anual (la 4ta) en París, y presentará, por primera vez en Barcelona, del 24 al 27 de enero, su homónima española.

El propósito del festival es incluir, en los mini films, la noción de moda e imagen en movimiento. Tradicionalmente, el mundo de la moda estuvo asociado a la imagen estática de la fotografía y la imagen en movimiento tuvo siempre, menos importancia. Este es uno de los factores que llevó a Diane a crear este evento. Pensar también la indumentaria o el arte como elementos narrativos y comprender, como a partir del significado que proyectan, se pueden construir narraciones y entender así, que a veces, hasta el acto menos significativo de nuestro cotidiano puede verse afectado por estas disciplinas.

Barcelona ha sido escogida como próxima sede, debido a ser la ciudad de procedencia, de un alto número de los candidatos. El Festival recibirá a grandes figuras del mundo de la moda, el cine y el arte y durante los cuatro días, presentará los mejores “short films”, los cuales, a su vez,  proyectarán las nuevas tendencias creativas del mundo de la moda. Incluirá también, conferencias y debates con profesionales de la industria.

Existirán tres categorías : “Profesional”, “Estudiante” y “Teléfono Móvil Film”, está última, se lanza por primera vez en la historia del festival. La categoría “Estudiante” está abierta a todos aquellos participantes, asistentes a escuelas de arte, cine, moda o diseño de todo el mundo. El proyecto cuenta con el apoyo y la colaboración del Ayuntamiento de Barcelona y Caixa Forum Barcelona. La inscripción permanecerá abierta hasta el 1ero de diciembre. Envíen vuestras propuestas.

Para + info :

www.asvoff.es

www.ashadeviewonfashion.com

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El Foodphoto Festival & la fotografía gastronómica como musa…

Claro está que la alimentación es una función vital, también hay otras que lo son (respirar, beber, dormir) y sin embargo, hasta el momento, no han logrado desarrollar un discurso en sí mismo, ni definir una cultura o inspirar al arte, al cine, a la literatura, a marcas, a la publicidad o incluso, a la fotografía, como lo supo hacer la gastronomía.  De paseo por Tarragona descubrí el “Foodphoto Festival 2011”,  el cual, además de abrirme la puerta de todo un universo, provocó la siguiente reflexión…

La comida es un lenguaje, apela a los cinco sentidos y los elementos y signos que la componen proyectan un sistema de denotación, que nos ayuda a ejecutar distintos ejercicios de síntesis. A través de la comida podríamos comparar, asociar, proyectar, representar, simbolizar, recordar, decir, sentir, oler, homenajear, vivir, disfrutar, podría seguir la enumeración… Lo que además, en ciertas ocasiones, le otorga status de arte, de ahí, arte culinario, que se supo relacionar con otras artes, desde hace mucho tiempo.

Por su poder de representación, la gastronomía inspiró, prematuramente, al arte. La pintura clásica y sus naturalezas muertas,  los surrealistas y sus banquetes, Andy Warhol y el Pop Art y su comida producto. La escultora Jennifer Rubell introduce, habitualmente, en sus instalaciones, comida o derivados. Innumerables son las películas que sus argumentos se desarrollan a partir o en paralelismo con la gastronomía : El Festín de Babette (1991 Gabrile Axel), Tomates verdes fritos (1991 Jon Avnet) Como agua para chocolate (1992, Alfonso Arau), Chocolate (2000 Lasse Hallström), Julie y Julia (Nora Ephron 2009). Para la literatura, la gastronomía, también suele ser un elemento narrativo. Así, la comida se convirtió en musa de la fotografía y se comenzó a hablar de “fotografía gastronómica” como un género propio y se montan exhibiciones como está, que dan a conocer a profesionales muy talentosos con trabajos muy valiosos.

Por + info : www.foodphotofestival.org

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El lujo de Hermés al ritmo de Kongo. De la rue Jaillit á la rue Saint Honoré…

Hace más de 55 años que Hermés realiza, para sus acciones, apropiaciones del mundo del  arte y la cultura  y utiliza su pieza más icónica, el “carré de Hermés” (pañuelo de seda multicolor, que nació en 1937) para comunicar, actualizarse y trascender como marca. Recientemente escogió el escaparate de la boutique, del Paseo de Gracia de Barcelona, para con una instalación, aproximarse al planeta graffiti.  No es la primera marca que se vincula al mundo del arte. Si, una de las pioneras, y emblemáticas del lujo francés, en  asociarse al “street art” y en especial, al universo del graffiti, en esta oportunidad, de la mano del artista urbano francés, Kongo (Cyril Phan).

De esta manera, se pretende incorporar contemporaneidad y actualizar a la marca, a través de una pieza mítica, que al mismo tiempo conserva y transmite, los valores tradicionales de la maison francesa. Pura seda china, más de 40.000 metros de hilo, una paleta de 65.000 colores, 80 costureras para rematar los bordes y entre 50 y 85 horas de trabajo para concluir uno de ellos. Existen más de 1500 modelos, algunos, como los diseñados por Kongo, llegan a tener 47 colores, miden 90cm X 90cm y pesan 65 gramos. La ediciones más exitosas se suelen reeditar. Existe un libro, editado por Hermés, que recapitula la historia,  todos los diseños y explica formas posibles de utilización. Las sociedades evolucionan, ¿ las marcas y los movimientos también ?

La estética graffiti ha sido objeto de intervención y apropiación por sectores externos, en varias oportunidades. La energía, la explosión de color, la osadía, entiendo sean valores de los que se quiera apoderar cualquier marca. Pero qué ocurre con la clandestinidad, la trasgresión y el anticonformismo, valores que proyecta históricamente este movimiento y no representan ni al lujo ni al conservadurismo de Hermés, esto no rima, por el contrario, hace mucho ruido. ¿ Aires de cambio ?, ¿ El mundo del graffiti se relaja o el de Hermés se revoluciona ? En todo caso parece que estos dos universos encontraron un camino de consenso, unión e intersección que podría abrir paso, a una transformación en ambas direcciones.

 

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Paco Rabanne, “Luz” para un feliz renacer…

La pasarela de París lidera al cuarteto. Milán, Londres y New York la secundan. Cada una con su estilo y características, son las cuatro pasarelas internacionales más prestigiosas. El liderazgo francés se recuesta en varios factores, no sólo en el hecho histórico, de haber sido París, la ciudad en dónde nació la moda como movimiento, pero si, como sistema : organizaciones,  industrias, instituciones, red de compradores y proveedores, salones, prensa internacional y la cantidad de creadores que deciden instalarse o presentar de un lado u otro del Sena, es lo que la posiciona como líder, y capital de la moda. Así es como, dos veces al año, París logra ser el foco para el análisis y la interpretación de nuevas tendencias sociales a través de la indumentaria, la música, la cultura, el arte y a partir de eventos y distintas acciones que realizan marcas y empresas que intentan aprovechar ese momento de máxima atención mundial.

A pesar de todo esto, la última París Fashion Week, a diferencia de otras ediciones, se desenvolvió en un marco de poca agitación  y manifestación. Pocas propuestas atractivas o diferentes. La homogeneidad y la simplicidad de las propuestas no colmaron las expectativas de muchos especialistas ni compradores. Es evidente que el marco económico mundial restringe no sólo a los presupuestos sino muchas veces, a la creatividad también. El desafío de presentar propuestas rompedoras e interesantes, más allá de lo estético, no se deslumbró, por esto entiendo que una de las presentaciones más interesantes, ha sido “Luz”, la primera coleción del diseñador indio Manish Arora, como director artístico para el relanzamiento de la mítica firma, Paco Rabanne.

Paco Rabanne (Francisco Rabaneda y Cuervo, 1934, País Vasco) es considerado un icono de la creación de moda del SXX. En los años 60’s fue uno de los que mejor interpretó su época y el arte contemporáneo de ese momento. De vocación ecléctica y renovadora, incorporó formas y materiales contemporáneos, nunca utilizados antes (metal, vidrio, cristal, plástico, aluminio) así, logró que se lo considere un hito en la historia reciente de la indumentaria y que muchas de sus piezas, se conviertan en obras de arte, reflejo de una época.

Ninguna otra locación hubiera sido elegida más coherentemente. El Centro de Arte Contemporáneo, Georges Pompidou, fue el escenario de “Luz”, la colección con la cual Manish Arora resucitó el espíritu de toda una época y el universo de una marca emblemática. Modernidad, audacia y extravagancia son algunos de los valores que representaron históricamente a la Maison Rabanne y en la actualidad, y después de varios años sin desfilar, se proyectan en los materiales más actuales y se conjugan e inspiran a través de la obra del influyente escultor, Anish Kapoor, también indio, si al final, todo queda en familia…

 

 

Nota :P or + info

El vídeo que ilustra la nota es la colección “Luz”, presentada en el Centro Pompidou, Manish Arora para Paco Rabanne. www.pacorabanne.com

Las cuatro prendas que ilustran la nota son piezas vintage Paco Rabanne. www.pacorabanne.com

Las dos esculturas son obra de Anish Kapoor. www.anishkapoor.com

 

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Levi’s : Go forth, now is our time, de la responsabilidad social de una marca.

Que una marca como Levi’s, con más de 150 años de historia, decida lanzar, hace unos meses, su primera acción global, “Go Forth” (A por todas), una plataforma que pretende, a través de la creatividad, incorporar cambios positivos a nivel social mundial y apoyar a los responsables de acciones diseñadas para enfrentar  los problemas más graves de nuestra era , es síntoma de que somos testigos de un desequilibrio planetario y deberíamos, cada uno a su manera, involucrarnos para gestar un cambio hacia un mundo mejor. Al menos se intuye, que esa es la motivación.

Se trata de una marca que vivió la historia, atravesó crísis, guerras y revoluciones. El objetivo de “Go Forth” no sólo persigue una mera empatía, a veces gratuita pero siempre necesaria, sino proyectar valores de una marca líder, que se jacta de tal y tiene la obligación moral y la responsabilidad ético social de alentar y marcar el camino para gestar un futuro mas decente para todos .

“Now is our time” es el lema de un desafío global, de una exhortación a un “back to the basics”  y a la revalorización de las personas, las cosas, los pensamientos y las acciones proclives a una humanización de las sociedades, y por sobre todas las cosas, de las marcas, que muchas de ellas, en los últimos años y gracias al branding, pudieron convertirse en templos, faros o guías para muchas personas y algunas lo hacen muy bien. Por lo cual, es una obligación para nosotros amplificar ciertas de esas acciones.

Con Berlín, emblema de la contracultura, como escenario y a través de un poema ” The Laughing Heart” de Charles Bukowski, se sembró la semilla de optimismo y coraje necsaria para evitar que la decadencia de sistemas, sociedades, líderes y movimientos que a veces toca transitar para un nuevo renacer, nos sorprenda preparados y nos perjudique los menos posible. Los “Pionneering Portraits” de Vhils, homenaje a jóvenes pioneros de la escena cultural berlinesa que personifican el espíritu “Go Forth” es sólo una de las acciones realizadas, en el marco de esta campaña.

Por + info : eu.levi.com/es_ES/goforth

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con A de Absolut & de Art…

Contarles que hace una semana, se inauguró, en la galería 28012 de Madrid, la “Absolut Art Collection” la cual reúne el trabajo de más de 20 artistas plásticos relevantes (Burgeois, Warhol, Pierre&Gilles, Mariscal, Barceló, entre otros.), para la mítica marca de vodka, no es el objetivo de esta nota. Si, intentar comprender de cómo Absolut eligió el camino del arte para comunicar, diferenciarse y posicionarse como la reina de la bebida transparente. La muestra permanecerá abierta hasta el 30 de octubre.

Que no soy fan del vodka es sabido, pero que sin embargo, lo soy de la comunicación de Absolut, también. Sobre todo, para todo aquel que tuvo la oportunidad de tertuliar o merodear por mi cocina y descubrir, la reproducción de la “Absolut Art Gallery” como motivo de decoración. Crecí con la comunicación de esta marca y si bien nunca logró que me guste la bebida, si que la posicione como el vodka de referencia y lo que es mas importante, como el vodka cool, que sienta empatía  y atracción por todo lo que cuentan, que ya es mucho e incluso más importante si no se es consumidor.

Si bien Absolut se internacionalizó en 1979, cuando conquistó el mercado americano, nació cien años antes, en Suecia, cuando todos los vodkas de referencia eran rusos o polacos. La importancia de parecer más que de ser, apelar a la creatividad y desarrollar la habilidad para superar posicionamientos en el inconsciente colectivo es de grandes por ende de pocos. Recuerdo el caso (mucho más reciente) de los ahora muy bien catalogados Chardonnay de Silicon o Napa Valley y su lucha contra el posicionamiento del Chardonnay y el vino francés en general.

La lucidez de establecer como valores de marca, ciertos atributos, atemporales y universales, como la claridad, la simplicidad y la perfección, haber sabido crear un envase icónico, sin etiquetas, que con el tiempo se convirtiera en de culto y objeto coleccionable, transformando su aspecto, desarrollando constantes, únicas y todas relevantes interacciones para capturar y sintetizar el “l’air du temps” que conecte con sus seguidores pero manteniendo absoluto, intacto y puro su contenido, ha sido el secreto de Absolut.

De cómo una marca, a través de su  botella, ha sido mimada, pensada, modificada, intervenida, adaptada, actualizada para no perder vigencia, mantener su status de única, personal y diferente en su categoría y convertirse en un ícono del arte contemporáneo. Quién mejor que un artista plástico contemporáneo o un diseñador de moda para revitalizar el aspecto de tu botella, por consecuencia el de tu marca e interpelar ininterrumpidamente a generaciones enteras. Así nació una historia de arte, moda, cine, música, literatura y comunicación que comenzó con Absolut Warhol, en 1985,  y continúa hasta la actualidad en un Absolut World.

El nacimiento, el buen posicionamiento y el mantenimiento de una marca se logra con una comunicación adecuada, no con la publicidad que es otro tipo de técnica y apela a otra instancia y necesidad. La comunicación narra, cuenta historias, vincula universos, la publicidad intenta motivar nuestra decisión de compra o consumo. Debido a la comunicación viva, orgánica y absoluta de este vodaka y a que nos referimos a técnicas distintas que requieren acciones particulares, podemos posicionar y categorizar en nuestras mentes a un producto, como en mi caso,  sin consumirlo.

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Silencio Club, de David Lynch, cuando la realidad supera la ficción…

Si sufres de pesadillas o tienes miedo a los fantasmas, no te acerques a la mítica esquina parisina, rue de Montmartre, otrora barrio de artistas, donde el pasado jueves y como broche de la París Fashion Week, David Lynch inauguró el “Silencio Club”, homónimo al de su film, Mullholland Drive.

Silencio Club viste total look David Lynch. Desde la arquitectura interior hasta el mobiliario. Lynch encontró la manera de materializar y proyectar su universo estético, no narrativo, próximo como sabemos, al video arte. Si tienes trastornos de identidad, te obsesiona el miedo y te apasiona confundir las realidades, adelante !

En el plano formal, Silencio, es un multiespacio (dedicado al arte y la experimentación) con sistema de membresía, abierto de 18.00 a 06.00. Hasta la medianoche, la prioridad, con el formulario de admisión aprobado y por 780 euros al año, será de los miembros, que podrán disfrutar de conciertos, films y distintas performances. A priori, abierto a todo público, tendrán ventaja, personas insertas en el sector creativo internacional y un descuento si eres menor de 30 años y no resides en París.

Como los textos fílmicos de Lynch, el Silencio Club, será un espacio síntesis, en el cual, la música, la poesía, el ambiente, la sensibilidad, las pulsiones, los sueños y la realidad serán principios que provoquen la inspiración necesaria hacia una metamorfosis creativa.

Por + info : www.silencio-club.com

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Bl33n, Hot Monsters Collection…

Bl33n (Blin), se puede definir como un proyecto totalizador. Llamó mi atención porque logra integrar : arte, comunicación, fotografía, moda, marketing, todo, apoyado en un concepto actual y relevante. Es a lo que llamo “producto síntesis”: lo podríamos descomponer en distintos elementos que hacen al todo. Concebido por artistas con una visión actual de su entorno, que entran en comunicación con un individuo que precisa, que incluso una camiseta, transmita y encierre valores más elevados y por sobre todas las cosas, cuente, comunique…

Hace unos meses, cuando los fotógrafos Donovan & Matthias Vriens McGrath lanzaban el proyecto, con una campaña de comunicación que apelaba a una alta sensualidad y a un enardecedor misterio, ya se percibía la intención de crear algo diferente, y sobre todo, que deje huella. A lo que se suma, la lúcidez de partir de un elemento tan básico, como es una camiseta, que en este caso, actúa de soporte para narrar y  captura y proyecta una cantidad incalculable de signos y significante.

Monsters Collection despierta el morbo y los cinco sentidos…, jugando con el contraste, de cuerpos extremadamente atractivos y rostros horroríficos, que logran, que los cuerpos se vean aún más atractivos y los rostros, no tan feos. Homenaje, a una sociedad post-moderna, en la que reina un culto al cuerpo, en algunos casos, desmedido. A pesar de todo, lo que está claro, que el proyecto está bien atado y que el deseo, es un valor que sigue vendiendo y mucho…

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Róisín Murphy & Christophe Coppens, musa o pigmalión ?

Pigmalión : modela la conducta ajena a su imagen y semejanza.

Musa : Diosa inspiradora.

Róisín Murphy, no precisa demasiada presentanción… Irlandesa, cantante de electro-pop, ex de Mark Brydon, ex integrante de Moloko, solista desde el 2004 y una de las artístas contemporáneas, que mejor sabe conjugar un estilo vanguardista y personal para apropiarse de valores y universos muy precisos y proyectar una imagen coherente a su sensibilidad y filosofía. Desde su mítico Overpowered, su hábilidad para comunicar con su indumentaria tiene nombre y apellido : Christophe Coppens.

Coppens, mucho menos mediático, es un creador belga, de bajo pérfil, consecuente con sus orígenes, de una creatividad y versatilidad poco usual.  Comenzó su carrera profesional como director y actor de teatro pero al poco tiempo, se encontraba diseñando vestuarios. En 1990 abrió su propio estudio y comenzó  a crear exóticos complementos para mujer y hombre. Desde entonces, realizó una gran cantidad de colaboraciones, diseñó sombreros para Yohji Yamamoto y Guy Laroche, trabajó para la familia real belga, presentó Alta Costura, desarrolla la imagen de Róisín Murphy, montó exhibiciones y performances en Bélgica, Holanda, Tokio y New York donde tiene shop.

Pigmalión o Musa, poco importa. Generan la simbiósis adecuada para que el trabajo de cada uno potencie al del otro. Dos lenguajes diferentes que se unifican con una coherencia absoluta y reveladora. Este dúo se encuentra en la búsqueda del equilibrio y las intersecciones de la reflexión y la experimentación propia. Otra prueba de que la conjunción Music + Fashion : mola !

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